“魔笛音乐”钢琴培训

魔笛音乐

音乐曲式

【主题】

（Theme）乐曲中具有特征的、并处于显著地位的旋律。它表现完整的或相对完整的乐思，为乐曲的核心。其形象鲜明、结构短小，是音乐发展的种子，它表达着一定的思想、性格、风格特征，是乐曲结构与发展的基本要素。它还具备一定的概括性，多半富于歌唱性，容易为人们所理解和记忆。优秀的音乐主题都蕴藏着十分丰富的内涵。有的作品只有一个主题，更多的作品中有两个或两个以上的主题，代表不同性格并形成对比。主题常在乐曲开头出现，但有时它的全貌要在整个作品不断展开中才能显示出来。

【曲式】

（Form，musical）乐曲的结构形式。曲调在发展过程中形成各种段落，根据这些段落形成的规律性，而找出具有共性的格式便是曲式。乐段的结构及一部曲式：乐段通常由两个乐句或四个乐句构成。由两个各有四小节（或八小节）的乐句组成的"乐段"（专称为"方整性的乐段"）在器乐曲中最为常见。其特点是平衡、均称感强。一首乐曲仅由一个乐段构成的称"一部曲式"。

【二部曲式】

由两个明显的乐段组成，前后两段互相对称或对比。其通常图式为A＋B。这是乐曲的基本形式之一。

【三部曲式】

由三个段落组成，其中第三段与第一段相同或基本相同，第二段具有对比性质，第三段带有再现性质。其图式为A＋B＋A。

【复三部曲式】

三段式曲体的复杂化。其中有一段以上本身就是由二段体或三段体等构成。其图式有：A＋B（a＋b)+A等等。器乐曲中常采用此种曲式。

【变奏曲式】

（Variation form）先奏出一自成段落的主题，然后以一系列的主题变形（即变奏），使主题通过多次不同的变奏而得到多方面的发挥。其图式为：主题--变奏1--变奏2--变奏3……，少则三五次，多则数十次。变奏的主题，大都较优美动人。常有用变奏曲式写成的独立乐曲，也有用于奏鸣曲等大型乐曲中（通常用于慢乐意中），如贝多芬的《热情奏鸣曲》。

【回旋曲式】

（Rondo form）起源于欧洲民间的轮舞曲，十八世纪初叶法国古钢琴曲多用之。以一再反复的基本主题与若干各不相同的"插段"交替出现为原则。其图式为：A（基本主题）＋B（第一插段）＋A＋C（第二插段）＋A…。这种曲式适于表现活跃欢腾的情景，奏鸣曲、交响曲等大型乐曲的末乐章常用之，以热烈的气氛结束音乐。

【奏鸣曲式】
（Sonata form）乐曲的结构形式之一。它欧洲十八世纪下半叶以来，各种大型器乐体裁中最常见的、也是最重要的一种曲式。大多数交响曲的第一乐章都运用"奏鸣曲式"写成，其结构大致如下：
　 奏鸣曲式总是用"快板"写的，所以在"奏鸣曲"（套曲）中的奏鸣曲式乐章，常被称为"快板乐章"。关于奏鸣曲式的三大部分（呈示部、展开部、再现部），有人譬喻说：它的呈示部好象提出矛盾的、可争论的问题；展开部是进行讨论、甚至矛盾间互相斗争，再现部则急统一认识，作初步的结论；"结尾"（尾声）是总结。奏鸣曲式的这种"对比--发展--统一"的结构布局，很适用于用来表现复杂的、甚至戏剧性的内容，所以奏鸣曲式不但是"奏鸣曲"、"交响曲"和"协奏曲"中不可缺少的一个乐章，而且管弦乐"序曲"与"交响诗"也常采用此曲式写成。

【回旋奏鸣曲式】

（Rondo sonata form）乐曲的结构形式之一。它属于奏鸣曲式的一种变体，主要用于大型器乐套曲（奏鸣曲、重奏曲、交响曲、协奏曲）的最后乐章，有时也用于独立的器乐作品。其结构如下：

【华彩乐段】
（Cadenza）音乐术语。原指意大利正歌剧中咏叹调未尾处由独唱者即兴发挥的段落。后来在协奏曲的乐章末尾处也常插用此种段落，通常乐队暂停演奏，由独奏者充分发挥表演技巧。这部分演奏较自由，难度也较高，因而也较引人注目。华彩乐段最初由独奏即兴创作，后来，作曲者也开始写作，成为作品中的有机部分和独具特点的段落。

【三声中部】

（Trio）音乐术语，是指用三部曲式创作的圆舞曲、进行曲、谐谑曲或小步舞曲等的中部。其主要特点为：旋律流畅、风格柔美、换用新调，井与前后两部分形成对比。三声中部的名称由意大利文Trio（三重奏）演化而成。西欧古代器乐曲及舞曲的中间部分，常有Trio标记， 由三件乐器演奏，借以与前后两个由全体乐队演奏的音量相对比。




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怎样练习音阶琶音

在各种键盘乐器的考级中，第一项考试就是基本练习考试，也就是对于音阶和琶音的考核。俗话说：“良好的开端是成功的一半”，干净漂亮的音阶琶音会给在考试开始就给各位评委留下一个先声夺人的良好印象，同时也会让自己在下面的考试中信心百倍。相反，如果第一项考试就磕磕碰碰，音阶和琶音既不流畅也不够清晰，那么多数考官都会认为该同学的基本功不扎实，而对考生留下不良的印象，同时考生自己也会因为没有开好这个头而倍加沮丧，这样心神不宁的情绪势必将影响下面的考试发挥。

考生怎样地练习才能使自己在考场上发挥自如呢？笔者认为练习中应分为以下几个层次，而在练习中应该注意的问题也将在下文中给予详述。

第一层次：识谱。
音阶与琶音识谱要非常认真仔细，不可以看错任何一个音的升降号和指法，这是绝对不能错的问题。

第二层次：熟练。
识谱结束以后，练习的重点应该放在双手的协调，尽快在练习中熟记升降号和指法规律。等到双手可以基本连贯后，这个时候我建议大家采用节拍器（钢琴学生）或自动节奏（电子琴电钢琴）跟随练习。
这样练习有两个好处：第一在节奏的伴奏和带领下可以使学生较好地集中注意力，以紧凑的思维，积极地投入练习；第二在节奏的伴奏下我们更容易掌握音的均匀，及时发现练习中的节奏和动作问题。有的学生因为转指和跨指的动作相对较慢，耽误了拍子而使节奏不稳定，如果打开节拍器或自动伴奏就很容易发现这样的问题，即可及时调整动作。

第三层次：慢速练习。
在熟记升降号和指法规律之后就要进行慢速练习了。在这里我必须要提醒各位考生的是，音阶和琶音的清晰准确才是最重要的，而不是速度。质量是衡量水平的第一要素，千万不要为了速度而速度，拼命去尝试和自己的手指能力不相适应的速度，反而会适得其反。花大量时间认真慢练的考生往往能在考试中既取得质量又能取得速度。
当然很多同学在慢练中就变得思想涣散，不集中注意力，只是为了完成老师慢练的要求而练，这就不对了。在慢练中，考生们应该仍然在节奏的伴奏带领下，同时非常非常注重自己动作的质量，只有将动作修正到最精练的程度才能有利于最终提高演奏的速度。很多考生习惯于瘪着手指弹琴，有的考生习惯于用手臂或手腕用力而不抬高手指，这样的动作很难提高速度，特别要注意三四指动作要独立地做，不要粘连在一块儿。所以在慢练的时候就应该改掉这些动作再提高速度。

第四层次：提高演奏速度。
再次提醒各位，提高演奏速度之前，必须确定自己的动作是正确而精练的。我希望在练习中同学们应该连续地练习，将一个音阶或琶音连续地练习十遍以上再休息，然后再来十遍再休息，不要只弹一遍就休息一下再弹再休息，这样的效果不如连续练习来得好。当然练习也不要没完没了，当你双手疲劳到没有能力控制动作的质量时就应该休息了。速度不要提高很快不要练过了70/分钟就练习80/分钟，马上又上90/分钟去练，一定要耐心地稳步提高速度，比如在把70/分钟练习得很扎实，再试试72/分钟，然后再74、76……当你觉得速度已到了极限以后，无论怎样努力也无法提高速度时，我们应该做什么呢？应该马上减慢速度，检查动作质量，改掉不良的动作再慢慢提高速度，注意是慢慢提高，不要急躁，当你重做一遍再次到达刚才的极限时，你会发觉你能无比轻松地超越它。
另外在这个层次中，还要注意另两个常见的问题：


问题之一，很多学生认为自己双手弹地很流畅，当有人提出请你用右手单独演奏一遍时，学生还基本能应付；当有人提出请你用左手单独演奏一遍时，学生就无论如何也弹不出来了，这是怎么回事？其实这是你没有意识到你在双手练习时你的左手没有独立地动作，而是被动地依赖右手拉着走，你认为自己双手流畅的音阶可能发音多数来自右手，而使你完全没有注意到左手动作的不足，大家的左手都会不如右手灵活的，所以你必须单独练习左手，左手必须单独做纠正动作提高速度的练习，不要全部用双手练习。因为单独练习左手能让你的耳朵分辨你弹的声音是不是均匀饱满有颗粒感，这样可以及时发现问题调整动作。如果可以比较好地解决左手的问题，那么两只手就很容易弹整齐了。因为多数学生双手音阶琶音不齐都是由于左手动作不好。

问题之二，很多学生可以弹很快的速度却不会慢弹，打个比方，谁也不会因为学会了跑步而忘记了走路。所以当你发现不会慢弹了，实际上很快你的音阶琶音就要出问题了。经常有同学练习到一定程度就变得不假思索，但是请你们知道不假思索不是不思索，很多同学到了最后完全不用动脑了，双手一放在琴上，就像开了阀门，哗啦啦一串就倾泻而出，你问他刚才弹了什么，他自己也弄不清楚。所以慢练可以让你打破习惯性的动作，一旦你习惯性的动作被打破你就得看谱分析，有分析地记忆就可以避免突然出现的记忆中断、避免记忆出现错误而记错升降号记错指法。所以最好的做法是坚持每天仔细看谱慢练数遍。

第五层次：适应考试的需要。
考试的时候是由老师抽测的，所以要做到概念清楚，避免张冠李戴。而且我们知道考试只考一遍，我们的练习必须要做到保证第一遍就很好，这是很难的，不付出艰苦的练习是很难做到的。到了练习的后期，我们已经可以在一个比较好的速度上稳定地发挥，就应该抛开节拍器关闭自动伴奏，练习自己控制速度节奏，起拍子可以起到合适的速度，既不太快又不太慢。起得太快了超出了自己的能力，一定是弹得乱七八糟；起得太慢也发挥不出练习的最好水平。另外考试时是考一个音阶再接着弹琶音，当你发现音阶和琶音一个弹一遍时，就不容易准确，所以我们在考试前就要做好充分地准备，按着考试的要求不断地演练，才能够发挥地尽善尽美。



作者：王康妮

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如何提高学生钢琴演奏的表现力


各门艺术中，没有什么比音乐更能直接打动人的内在情感。在人类生活中，也没有什么比音乐更能生动地表达人的心声。在欢乐时，音乐以优美的旋律、动听的声音，把人们带入欢乐之中。在忧伤时，音乐以它哀怨缠绵、如泣如诉的声音给人以安慰。在孤独时，音乐以它的真诚陪伴人们度过悠长的黑夜。音乐是生活的美酒、是命运的花朵。失去了它人生就丧失了原有的诗意和浪漫。
在现今的社会中，经济发展了，人们有了较优厚的条件，开始对音乐有了更高的要求，不但要欣赏，而且更想去驾驭一门乐器，让音乐从自己的理解中得以发展。在众多的器乐王国中，钢琴越来越成为人们中意的对象。小至3岁儿童，大到60岁老人，都想通过钢琴的演奏完善自己的人生。
因此，我们演奏一首钢琴曲，不单单只为表现出音符来，更重要的是把这首乐曲演奏得有血有肉、有内容有意境，让人们听了能受到感动和振憾。
在现今一些学生的演奏中，常常缺少的就是音乐的感觉，演奏得乏味、枯燥。正如一位国外教授在听了中国选手的演奏时说：“中国的学生有魔术般的手指。”而他的潜台台词是：唯独缺少了音乐。因此，我觉得在钢琴演奏中更重要的是多一些想象力、多一点音乐的表达能力。
如何在教学中提高学生钢琴演奏中的音乐表达能力？我从以下几个方面谈谈自己的观点。

一、正确的读谱：
提到正确的读谱，许多学生认为只是音符的正确、节奏的正确。而事实上除了这两者之外还有许多重要的标记，都直接影响对乐曲的理解、表现对乐曲风格的处理。
1、音乐术语：包括乐曲情绪、表情、音乐的性质、速度等等。这些术语提示学生，乐曲是欢快的或抒情的、是快板还是行板或慢板，这直接关系整个作品的风格把握。
2、具体的力度标记：在古典音乐中，一般从pp到ff之间就有p、mp、mf、f的六个不同层出不次。而浪漫乐派及后期作品从pppp到ffff，幅度更加宽。还有sf、sfz或crese、dim等等。这些具体的力度标记，同样关系到了乐曲演奏中音乐的表现。
3、速度的不同变化：如：放宽(Allargando)、减慢渐弱(Calando)、加快(Accelerando)、逐渐加快(Stringendo)等等。不同的速度变化直接影响乐曲的效果。因此，学生在演奏作品时要把握不同的速度要求，尽可能表达出作品的本意。

二、音乐表现力的基本要素：
1、抓住音乐特性是表现音乐的关键。
音乐特性指音乐内容、情绪、形象意境等所决定的音乐的局部特性和总体风格。
音乐特性是音乐的实质，是领会音乐把握音乐的基本要素。它决定我们用什么方式、什么手法、什么情感去表现音乐。所以，我们讲表现音乐，首先要把握乐曲音乐特性。
(1)、有的音乐是抒情性，以优美如歌的旋律来抒发情感，情绪上可以是亲切的、动人的或是安宁的。对这类音乐的表现应抓住其特征，抒情的、歌唱性、声音柔和优美。
(2)、较活泼的：在音乐表现上应是轻快活泼，节奏性强，声音明亮轻巧的。
(3)、激情类的：在音乐表现上是力度较大、手法较复杂，尤其要注重情感的投入。
2、分析作品的音乐性质。
音乐是通用的语言，是可以融入人的情感而存入人心灵之中。当我们准备表现某部作品时，首先要分清乐曲的特性。我们可以凭直觉来体验，或是标题、标记来确认，或以分析作品来感觉。
分析作品音乐特性是为通过把握不同音乐特征，结合自身音乐感觉把作品生动地表现出来。同时还要掌握一定演奏技巧。只有把音乐目标和技术手段完美结合起来，我们才会有比较完美的音乐表演。

三、各个时代音乐风格简介：
音乐起源于劳动，发展在各个社会阶段中，扎根于劳动人民的心里，人类对音乐在不同时代有不同的要求。因此，不同的时代、不同的作曲家风格形势也各不相同。在众多的钢琴文献中，不同作品处理各不相同。而钢琴学生为丰富自己的曲目、拓宽视野，应多接触各个时期的作品。在这里我把各个时代的风格作下简介：
1巴洛克时期音乐：
巴洛克时期从年代上大约始于1600年至1705年间，当时的思想是博大的，在音乐领域内出现了一些意义深远的进展。在巴洛克时期，节奏是特别强烈、活泼、持续和反复的。在旋律方面是活跃的，持续不断地展开，而且常用颤音和其他装饰音技巧来修饰。在结构上多用的是复调音乐、多旋律。在速度和力度变化上，巴洛克时期的作曲家第一次在乐谱上标志了速度，使用了“柔板”、“快板”等字样。它的特点是“阶梯式的力度变化”。是一个均匀的的弱音段后面跟一个均匀的强音段。例如巴洛克时期代表巴赫，他的管风琴音乐将科学与诗歌、技术与情感、精湛技巧和高贵的思想融为一体，使过去的复调音乐充满活力，他是巴洛克音乐的巅峰人物、是艺术史上的巨人。
2、古典时期音乐：
古典时期音乐一般认为始于1750年(巴赫逝世的那一年)，结束于1827年(贝多芬逝世那一年)。在风格上严谨而优雅、简朴庄严、准确。古典时期音乐着重形式美、稳重、有秩序、合乎逻辑，同时又有大胆发挥、创造性、幻想的情感。在节奏上，作为音乐整体的一部分，以“极甚精妙和敏锐的手法”来处理。在旋律上，认为旋律是古典和浪漫时期音乐的“灵魂”。在力度上，不同于巴洛克时代的“阶梯式力度变化”。而是被另一种力度变化而代替，即在一个段落中强音和弱音更多突然的和戏剧性变化。如：古典时期的莫扎特—最杰出的天赋音乐奇才，而贝多芬—一位强烈而激情的不朽的咆哮者。他们两个人音乐十分具有代表性。罗曼•罗兰曾说：莫扎特的音乐是生活的画像，是美化了的生活。他的音乐总是指向心灵，并且始终表达情感或激情。而贝多芬的音乐，宣扬了自己生活和创作的准则，那就是最强有力的音乐。贝多芬晚期处于巅峰状态，他的作品被“超越了从前所有音乐，向人类想象力所能触及的最高领域翱翔”。这时他完成了两首最宏伟的作品《第九号交响曲》《庄严弥撒》，一位专家称贝多芬为“人类情感和思想的彻底解放”。
3、浪漫时期音乐：
浪漫时期包括了19世纪大部分时间，并至20世纪开始的艺术革命，后由第一次世界大战导致人们的理想幻灭而结束。从18世纪末至19世纪，到处充斥的民主和个人主义精神，不可避免地反映在艺术上。诗人画家、音乐家喜爱的是主观性和内心表达，而不是客观性和形式。
这是一个十分有利音乐发展的年代，这是一个从表述情感主义和梦想的时代，是一个自由的、自然的时代。浪漫时期，要类取得胜利，得到解放。浪漫时期的音乐比20世纪音乐温和得多，也更富抒情色彩，比音乐史上任何时期更吸引了广泛的听众。浪漫时期音乐在节奏上过多使用了有规律的重拍。在旋律上，极为强烈，事实上浪漫时期的旋律直到现在仍然是公众心目中旋律。它是“如歌的、热烈的”，而“抒情”是关键的。在和声上比古典音乐要复杂的多，有更多的转调和半音体系。在力度变化上比古典时期多得多，在力度变化上和音乐的其他方面一样，浪漫主义作曲家喜欢突然的变化，而这是古典作曲家及力避免的。
在浪漫时期音乐中，肖邦最具代表性。肖邦是钢琴时代最多才多艺的钢琴家，历史上最优秀的钢琴家之一，也是大作曲家中唯一只写钢琴曲而不写其他作品的人。肖邦是小型曲式大师，他的作品大多数激烈、富于诗意、充满感情。许多作品充满着巴黎人的细腻，而另一些则又显出波兰人炽烈的爱国热情。波兰舞曲起源于波兰，一般认为是傲慢、威严、列队行进的交际舞。肖邦最著名的波兰舞曲包括：A大调“军队”及降A调“英雄”。马祖卡舞曲在肖邦的全部作品中占有特殊地位。它们概略表达了奏鸣曲、诙谐曲等等所产生的英雄气概、雄伟和复仇心。马祖卡舞曲是肖邦的精髓—重感情而不重理智，愉快和悲哀交替进行。
4、20世纪时期音乐：
20世纪的音乐最多样化，开始时自主性、情感主义和标题音乐，但很快就被一种新的纯音乐代替。在节奏上，20世纪音乐中，节奏得到了充分体现，比过去任何时期变化更多、更复杂、更有活力。有些作曲家试采用“多节奏”。在旋律方面，这一直是音乐要素中固定成分，而在20世纪音乐中旋律让位给节奏、和声、音色，有时根本无旋律。
德彪西是钢琴音乐最优秀创造者之一，是印象主义音乐的奠基人，他代表了从浪漫主义到20世纪音乐的主要过渡。这一时期，几乎没有人比德西更为重要。他在音乐艺术中进行了一场彻底，发明了他以前认为“不协和和弦”的和弦联合在一起的新方法，并利用它们产生精美的和声，他打破了大传统的规则，制订了一些旨在表现转瞬即逝的感觉和微妙、飘浮不定的情绪的新规则。
通过以上介绍，使学生民解掌握了不同时代不同风格，这对学生理解作品有很大帮助。同时，为更好地表达音乐提供了可贵有资料。

四、提高个人修养是提高音乐表现力的前提。
前面分别介绍了一些关于应提高音乐表现力的几条要素。同时还应提高学生的个人音乐素养、文化修养以使更好表达作品。
1、了解中外文学作品：介绍学生多读关于音乐史书籍，了解作品的时代以及特点，了解作曲家生平、背景。
2、了解中外文学作品：通过多读中外文学作品开拓思路，提高表达能力。
3、多看绘画：艺术是相通的，通过多看好的作品(绘画)，可以提高学生的想象力。可以通过音乐作品给人们展现一幅画面。
4、多欣赏音乐作品：为开阔学生的音乐视野，应组织学生或提供学生多听音乐会、听音带观摩等等一些接触音乐的机会，让学生提高个人综合素养，可提高学生作品演奏技巧，更好地表达音乐作品。




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夏尔。路易。哈农是19世纪法国管风琴师和钢琴教师，1819年生于法国北部圣奥梅尔城，1900年3月19日病逝于法国布伦。哈农从小受到教堂音乐方面的训练，以后又在教堂演奏管风琴，并担任合唱指导，教授钢琴和声乐。哈农一生的作品不多，最著名的就是《钢琴练指法》。这本书曾荣获1878年世界博览会的银奖，以后相继在法国、美国及俄国出版。一百多年来，学习钢琴的人们无人不知这本《钢琴练指法》，无人不弹这本《练指法》。哈农与他的这本书已成了同义语，练习哈农已风行于全世界，它甚至被改编成吉他、手风琴等练习的版本。哈农的《钢琴练指法》涉及了钢琴常用的基本技术，包括了五指练习，音阶、琶音、双音、和弦、颤音、六度、八度等基本技巧的练习。它能够使手指轻巧敏捷、灵活独立、结实有力、平均发展，还能使手腕放松平稳、自然柔顺，富有弹性。在钢琴教学中，一直是一本很有练习价值的普及教材。


随着钢琴在我国城乡的大量普及，钢琴丰富的音乐表现力越来越受到社会各层人士的喜爱和青睐，学习钢琴的孩子也日益普遍。这本《孩子们的哈农》就是为孩子们学习钢琴而编的，它分为五指练习和音阶、和弦、琶音练习两部分。一个人无论具有什么样的先天素质和条件，如不经过训练就不可能得心应手地在钢琴上灵活跑动，而五指练习和音阶、和弦、琶音练习是钢琴弹奏的基础。五指练习是加强五个手指灵巧和独立的训练，通过在五个手指位置内练习音的组合，在音与音之间体会手指间力的移动，增进手各部分的动作协调，并可克服初学者常见的肌肉僵硬、手腕上下抖动等毛病。音阶、和弦、琶音的练习是钢琴演奏技术的基础，在钢琴作品中的许多乐句乐段往往是音阶、和弦、琶音的各种变形，要想弹好钢琴，音阶、和弦、琶音的练习必不可少。特别是半音阶之间的距离较小，对手小的孩子很适宜，有利于锻炼手形，半音阶中的许多大指练习对孩子的大指独立活动有好处。为了适合孩子学习钢琴的特点和要求，本书中每一首的音域一般不超过两个八度，除了基本练习以外还增加了变化练习部分，包括连音、非连音、跳音的练习，左右手不同表现的练习，以及附点节奏、切分节奏、三连音等节奏变化的练习，增加了孩子们学习钢琴的兴趣、节奏感和表现力。




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名词解释


[纯律]

是于五度相生律用以构成的第二分音和第三分音之外，再加入第五分音来作为生律要素，构成和弦形式。 这样便产生了七个基本音级。 根据纯律相生律中的基本音级的音高关系，又不同于十二平均律和五度相生律中的基本音级间的音高关系。它的EF、BC之间的半音比其他两种律制的半音要大。全音的情况有两种：CD、FG、AB为大全音，和五度相生律中的全音相等，比十二平均律中的全音大。ED、GA为小全音，比其他两种律制的全音都小。

前面简略地谈到了各种律制产生的方法和结果，但为什么用不同的方法定律就会产生不同的结果呢？为了说明这一问题，现以e1为例，用纯律和五度相生律的定律方法来进行一次计算。 我们已知纯律是以复合音的第二分音、第三分音和第五分音作为生律要素的，也就是说纯律大三度的振动数比应是5/4。已知振动数比，再由振动数比求得音的振动数是很容易的。 五度相生律是以复合音的第二分音和第三分音为基础，按照纯五度（3/2）的关系连续相生而得。 关于十二平均律，我们已知它是将八度分成十二个均等的部分而成，因此，除一度和八度外，其他各律的音高与纯律和五度相生律皆不相同。

三种律制在实际的应用上各有长处，五度相生律是根据纯五度定律的，因此在音的先后结合上自然协调，适用于单音音乐。纯律是根据自然三和弦而定律，因此在和弦音的同时结合上纯正而和谐，适用于多声音乐。但随着多声部音乐的发展，转调的频繁，加上键盘乐器在演奏纯律上的困难，因而受到很大限制。十二平均律在音的先后结合和同时结合上都不是那么纯正自然，但由于它转调方便，在键盘乐器的演奏和制造上有着许多优点，因此近百年来被广泛采用。

[五度相生律]

根据复合音的第二分音和第三分音的纯五度关系，即由某一音开始向上推一纯五度，产生次一律，再由次一律向上推一纯五度，产生再次一律，如此继续相生年定出的音律叫做五度，产生再次一律，如此继续相生所定出的音律叫做五度相生律。 例如五度相生律所订出的七个基本音级间的音高关系，和十二平均律中七个基本音级的音高关系是不同的。

虽然EF、BC之间亦为半音，但比十二平均律中的半音要小。其余相邻两音级之间虽然亦为全音，但比十二平均律中的全音要大。这种音高的差异就是由于定律方法的不同而产生的。

「十二平均律」

是指将八度的音程(二倍频程)按频率等比例地分 成十二等份，每一等份称为一个半音即小二度。一个大二度则是两 等份。

将一个八度分成12等份有着惊人的一些凑巧。它的纯五度音程 的两个音的频率比(即 2 的 7/12 次方)与 1.5 非常接近，人耳基 本上听不出“五度相生律”和“十二平均律”的五度音程的差别。 同时，“十二平均律”的纯四度和大三度，两个音的频率比分别与 4/3 和 5/4 比较接近。也就是说，“十二平均律”的几个主要的 和弦音符，都跟自然泛音序列中的几个音符相符合的，只有极小的 差别，这为小号等按键吹奏乐器在乐队中使用提供了必要条件，因 为这些乐器是靠自然泛音级(如前文所述，自然泛音序列，其频率 是基音频率的整数倍序列，成等差数列)来形成音阶的。

十二平均律在交响乐队和键盘乐器中得到广泛使用，因为只有 “十二平均律”才能方便地进行移调。

[记谱法]

记录乐曲的方法叫做记谱法。

在历史发展过程中，由于乐曲的不同内容和需要而产生了各种各样的记谱方法。如为古琴用的古琴谱，为锣鼓用的锣鼓谱，以及我们现在普遍应用的五线谱、简谱和在我国民间应用的工尺谱等便是。

各种记谱法虽然在其发展中不断地趋向完善，但到目前为止，世界上还没有一种记谱法能够完美无缺地记录音乐。如音高、力度、速度上的细微差异，许多装饰音的奏法等，都还需要演奏者凭其各自不同的理解来加以具体的分析和处理。 正确的记谱对创作和表演都是十分重要的，每个学音乐的人应该很好地掌握记谱法，特别是对学作曲的人来说，具有更为重要的意义。

[工尺谱]

是为我国所特有的记谱方法。在民间流传甚广。直到今天许多老艺人还是习惯用工尺谱来演唱或记谱。在研究整理民族音乐遗产、向民间音乐学习方面，它仍有着积极的特殊的意义。 工尺谱系何时开始创用，已很难考查。根据历史记载，古代对工尺谱各音的写法与今天通用的写法也颇不一致。目前我国各地所流行的工尺谱，在写法上和读法上也仍然大不相同。

详尽地、系统地研究工尺谱，是个专门的学问，也是一件艰巨而复杂的工作。这里所介绍的仅是这方面的一般常识。 工尺谱在传统写法上是由右而左作直行书写的，但近二三十年来，也有以简谱的形式横行书写的。 在工尺谱中，音的高低是用“上尺工凡六五乙”七个汉字及其变体来标记的。根据目前一般的唱法，它的音高关系与简谱的1 2 3 4 5 6 7相同。即工凡、乙（亻上）之间为半音，其他相邻两音之间为全音。 工尺谱中音的长短是用板眼符号（记在每拍的第一个音的右侧。、或×代表板，·或о代表眼。）、每拍中所包含的字数、字体的大小、字与字之间的距离来表示的。 如果一个音的时值超过一拍以上时，那末就在这个字的下面加一直线。直线所占的时间根据音的长短标记的总原则。 近四十年来，在工尺谱的直行书写中，除了以上所讲的音值标记外，往往还在字的左侧或右侧加用纵线来表示。纵线的记写和意义与简谱音符下的横线相同。 一拍内包括六七个以上的字或节奏较复杂时，大都用加赠板（拍的细分）的方法来记写。 在工尺谱中，乐句与乐句之间常留有一定空隙，以表示乐句的划分。乐段的标记则有两种方法：一种是段与段之间留有较大的空隙，一种是分段记写。 在工尺谱中，音的休止叫做歇板和歇眼。歇板和歇眼的记法有两种：一种是在歇板或歇眼处写一“勺”字，而在这个“勺”字的右侧注明板或眼的符号；一种是在歇板或歇眼处留出一定的空隙，在这个空隙的右侧，即记板眼符号的地方，记以歇板或歇眼符号。歇板符号用“△”来标记。

上面所讲的歇板和歇眼的写法，都是表示一拍开始时的休止，但在旋律进行中，往往不是在一拍的开始处休止，在这种情况下，比较清楚的写法是在休止的地方写上一个“勺”字。 如果要在一拍半的音后面休止半拍时，一般都用歇眼符号“△”写在板的符号“×”的下面来表示。 工尺谱中调的标记，数十年前和现行的已大不相同。为了正确了解各种调名所代表的调的高度，现将数十年前流行的调名、现在流行的调名和国际通用调名的音高关系列表如下：

现在流行的调名 数十年前流行的调名 国际通用的调名 小工调 小工调（乙字调） D调 乙字调 凡字调 A调 凡字调 上字调 bE调 上字调 六字调 bB调 六字调 尺字调 F调 尺字调 四字调（五字调） C调 正宫调（五字调） 正宫调 G调 　 现行工尺谱的调的名称及调的关系，是以小工调为基础，以工音为关键来确定的。例如某调的工音相当于小工调的六字，便称为六字调，某调的工音相当于小工调的尺字，便称为尺字调。也就是说：以小工调的六字为工，便叫做六字调，以小工调的尺字为工，就叫做尺字调，余类推。 在民间还有以笛上的按孔或开孔的数目作为调名的。如三眼调、两眼调等。

工尺谱中的强弱记号、反复记号、表情记号、速度记号等，都是用文字来标记的。有的记在工尺音字的左侧，有的记在板眼符号的右侧，也有的记在工尺音字的行间。 最后谈谈工尺谱译简谱的问题。 将工尺谱译成简谱，是个相当复杂的问题。前面我们已经讲过：由于时代、地区的不同，工尺谱有着各种各样的写法和读法，因此，译谱时便不能简单化。例如，五台山僧寺中所流传的宋朝乐谱中，《八板儿》（即《老六板》或《老八板》）的开头一句，记作“一一工四合”，其实就是全国通行工尺谱中的“工工四尺上”，译成简谱便是“3 3 6 2 1”。也就是说，译前者要以“合”为“1”，而后者则以“上”为“1”。这是由于新、古音阶的不同而产生的。 有时为了乐器演奏上的方便，许多工尺谱是采用移调记写的。譬如把正工调的谱翻成小工调记写，即把原来的“上尺工”写成“凡六五”。在这种情况下，译成简谱时便不能译作“4 5 6”，而应译成“1 2 3”。 总之，在进行译谱时，一定要经过仔细的研究、分析，确定其调性，辨别其音的高低关系，这样译写的乐谱才能求得准确。

　 [简谱]

是记谱法一种。由于它简单明了、通俗易懂，在记谱、读谱上有很大的方便，因此在我国广泛流传。 简谱有它的优点，但也有它的缺点。例如记合奏合唱，它就不象五线谱在视觉上那么清楚，而记钢琴谱几乎是不可能的。过去有人认为简谱简单、不科学，因而否定了简谱在现实音乐生活中的重要作用，那是错误的。应该承认：简谱对音乐的普及和推广，作出了重大的贡献。在今后相当长的时期内，简谱将会继续发挥它的积极作用，为社会主义文化事业服务。

简谱的创造和发展过程，因为缺乏有关的材料，还不能作准确的介绍。法国的加林（1786-1821）和舍维（1804-1864）；英国的格兰威尔（1785-1867）和葛尔文（1816-1880），在简谱体系方面，都曾作过研究和整理。我国的简谱是由日本传来的。这种体系与舍维的体系已有所不同。按照舍维体系，八分音符和十六分音符的短线，都加在音符的上方。 然而日本的简谱到了我国，特别是解放后十年来，又起了许多变化和发展，现在只将现行的简谱作如下的简单介绍。 在简谱体系中，音的相对高度暖和七个阿拉伯数字来表示的。这几个音的相互关系，除3 4、7 i 半音外，其他全为全音。 标记：1 2 3 4 5 6 7 i 唱法：do ri mi fa sol la si do 在音符的上面加一小圆点，即表示高八度演唱，加两个圆点表示高两个八度；反之，在下面加一个圆点，即表示低八度演唱，加两个圆点表示低两个八度。 要准确地表示音的绝对高度，还要应用调号标记。调号标记是用1=F、1=G……等来表示的。

为了避免在音符的上面或下面过多的加点，在合唱、合奏谱中，往往应用移高或移低八度的方法来记低声部或高声部。例如：男高音、男低音、琵琶、低胡用高八度记谱；梆笛、板胡用低八度记谱等便是。

音的长短是在音符后面或下面加短横线来表示的。 在简谱体系中也应用附点。但只到四分音符为止；再长的音符，如二分音符、全音符则继续用增加短横线来表示。 附点全音符： 1- - - - - 附点二分音符： 1- - 附点四分音符： 1. 附点八分音符： 1. 附点十六分音符：1. 表示音的休止的基本符号是0。为了表示不同长度的休止，可用增加0的数目、在0的右面加附点来标记。通常所用的休止符如下： 全休止符： 0 0 0 0 附点全休止符： 0 0 0 0 0 0 二分休止符：0 0 附点二分休止符： 0 0 0 四分休止符：0 附点四分休止符： 0. 八分休止符：0 附点八分休止符： 0. 十六分休止符：0 附点十六分休止符：0. 三十二分休止符：0（下加三横线） 附点三十二分休止符：0（下加三横线） 长达数小节的休止，可用长休止号。写在小节内，上面的数目字表示休止小节的数目。 仅有长度而无一定高度的音，用X记号来表示，音的长短则用在X后面或下面加短横线来标记。 在简谱体系中不存在谱号问题。它的音高是通过音符和调号来表示的。 简谱中的拍号和五线谱一样，用分数标记，它和调号一起记在乐曲名称的左下方，先记调号后记拍号。乐曲名称的右下方则词曲作者的姓名。 速度标记和表情术语记在第一行乐谱开始处的上面。 在多声部的记谱中，小节线多半是分开的，各声部单独记写。但有的器乐曲的小节线是按照乐器的分组连起来的。不论是分开或不分开，各声部的小节线一定要上下对齐。

记谱时要注意音符的空间距离，使小节与小节，拍与拍的距离大致相等，一拍之内音符少的要写松一些；音符多的要写紧一些。少于四分音符的各种音符，低音点要记在短横线下面。 简谱体系中音值组合法的规则，基本上与五线谱相同。只是在复拍子中不用代表整小节的一个音符，而用连线把音符按单拍子分组后连结起来。 休止符的组合法和上面所谈情况相同，当然不必再用连线。 连音记号记在音符的上面，用开口的括弧加上表示连音的数目字来标记。 简谱中的移调非常简单，只要把调号改动一下便可以了。例如C大调的乐曲要移高大二度时，只要把1=C改成1=D便完成了。 简谱中变音记号只用升（#）、降（b）和还原三种，重升（×）、重降（bb）是不用的。 在简谱体系中，较长的确定的转调，不用临时变音记号，而用转调后的调号来标明。 五线谱中所用的装饰音记号、省略记号、力度记号、速度记号基本上都适用于简谱。 为了避免代表断音的圆点和高音点相混，在简谱中断音用▽或▼来表示。 短倚音用小的十六分音符或十八音符标记，写在主要音的左上方或右上方，并用连线与被装饰的主要音相连。 前奏、过门、尾声和五线谱一样，用小音符标记，有的也用括弧括起来。 记写和弦时，音符下面的短横线，仅在最低音下记出。 关于简谱的记谱法，目前还没有一个较完整的体系，以上所谈的仅是简谱中一般最普通的知识，是很不全面的。




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魔笛音乐

弹钢琴时如何调整好坐的位置？

包括三个方面：

（1）调整坐位与钢琴的距离。上身坐直，用双臂轻轻提起双手并将其置于键盘之上。这时如果臂肘部刚好被牵动到上身垂直线的胸前一方一点点，上臂与前臂形成一个略微大于90度的钝角，坐位与琴键的距离就基本合适了。
假如臂肘部前移过多，上臂与前臂的角度较多的大于90度，整只胳膊有点“伸直感”，就说明坐得远了，应把琴凳朝键盘前移动一点。
相反，假如手置键盘之上时，肘部并未被牵移到前面，甚至还移到了上身垂直线的后面一点，造成胳膊的“窝曲感”，这表明坐得太靠近键盘，应把琴凳往后适度移动。

（2）找到整个键盘的中间点。有钥匙孔的钢琴，钥匙孔就是中间。没钥匙孔的，可将双脚不偏不倚地直对两个踏板，这时，双腿如果没有任何左右偏斜，就是坐在正中了。另外，还可在键盘上找中间点。88个键盘的中间点，在中央C右边第一个E和F键之间；85个键盘的，则在中央C右边第一个降E上。找到中间点，居中而坐，控制全局。

（3）调整坐位的高低。上身坐直，双手置于键盘之上，这时，如果肘部略微高于键盘的平面，坐低的高低，大致就合适了。但假如肘部高于键盘平面过多，胳膊好象有点“吊着”似的，手腕也不能自然放平，说明坐位偏高了，就把琴凳适当调低。相反，假如手置键盘之上时，肘部明显低于键盘平面，说明坐位偏低了，应把琴凳适当调高。

以上讲的都是一般的标准。其中，坐在中间点，对任何人都是同样的要求，而坐位的高低、前后，每个人不见得绝对完全一致，但对自己而且言，则应当有一个稳定的调整尺度。



作者－－－魏廷格

魔笛音乐

弹奏中的节奏感好都是指什么？

概括说，是指善于感受到、捕捉住、表现出乐曲节奏的韵律、韵味、趣味、情趣等等节奏美。具体些说，可表现为以下几个方面：
（1）、能在弹奏中体现出明确而又自然的节拍强弱感。
（2）、能在弹奏中依据风格、表情的需要，保持稳定、持续的均分律感，即速度、拍感的稳定、统一。
（3）、能够令人信服、合乎逻辑地弹好各种非均分律节奏，如渐快、渐慢、突快，突慢、散漫、延长音等等。
（4）、能够准确弹奏出非正常节拍的特殊强弱关系来。



作者：魏廷格

魔笛音乐

今年中央音乐学院暑期的考级工作又顺利的结束了。在这次考级中,仅钢琴一个专业就有三千多人报名,设立了26个考场,并且有三四十岁的中、青年人加入到考级的队伍之中,这说明钢琴普及教育成果喜人。我很荣幸又在这次考级中担任了一、三、四、五级的评委。特别令人欣慰的是,一级和三级的考生表现比往年要出色。他们在考级表现中,错音、错指法现象明显减少,还有一些考生特别注意了音乐表情记号,这给他们的演奏增加了许多生动的内容。但是,考级中仍存在着一些问题,这些问题在四、五级的考试中显得尤为突出。

　　首先是错音问题。可能很多考生认为这个问题很简单,但仍然把许多认识的音弹错。例如:四级A组的阿勒曼德舞曲中,＃C有相当多的考生都粗心地弹成 C;五级的终曲和简易变奏曲也是考生们错音最多的乐曲。错音就像一件漂亮衣服上的污物、线头和不对称的纽扣,使乐曲显得很劣质和粗糙,所以,千万不能把它看成是无足轻重的小问题。

　　其次是速度与音乐表现的问题。在考级中,许多考生将速度弹得飞快,但是他们弹得并不好。需再次提醒大家的是,快速度不等于好的质量。相反,过于追求速度不仅会造成技术上的负担,如:手指跑动不均匀、丢音等问题,而且也完全来不及把音乐的乐句交代清楚,给听众留下一个极其慌乱的演奏场面。例如:四级A组的海勒练习曲,许多同学开始便把速度起得过快,而全然没有考虑到左手的跑动问题。那么到了左手跑动时,便出现了不匀、丢音、漏音等现象。又如克莱门蒂的回旋曲,音乐性质活泼明快。开始第一句有如一个温柔可爱的小姑娘在娓娓恳求、讲话。她似乎在说:“我能去玩吗?”后半句又像是一句亲切温柔的答句,也应把这两种语气弹出来。但有相当多的考生在开始处便把速度起得飞快,没有标点、语气,甚至时值都来不及弹够就一口气冲下去了。尽管速度弹得很快,但手指落键并不扎实,演奏既匆忙又毫无内容。

　　从上述现象分析,造成这些问题的主要原因是基础不扎实。有些考生为了考级甚至于仅学琴一年或半年就急于练习考级曲目。虽然花了很长的时间,但效果并不理想。考级只是对考生一个学习阶段的测验,并不是我们的学习目的。四、五级学琴的基础阶段,一定要在各个方面打好基础。这样才有可能顺利地通过高级阶段的学习。所谓“万丈高楼平地起”就是这个道理。

　　下面谈谈如何更好地提高弹琴效率。视谱是我们接触乐曲的最初阶段,也是最重要的一个阶段。在这个阶段中,应力求正确地把乐谱识下来,尽量避免错音、错指法,同时还要注意到音乐术语:cresc、dim、mf、pp、dolce、rit等等,最好在开始看谱的第一眼就能把表情带入练习当中去。在这个阶段中还要给自己在听觉、视觉和指法留下一个正确的印象,切忌把错误的印象留在脑海里,而让老师来不断加以纠正。这样一来,极容易使得对乐曲失去了新鲜感,而将正确和错误的概念同时混淆在头脑之中,增加改错的难度。

　　另外在练琴时,目的性要十分明确。例如:练习曲主要练习目的是手指清晰、速度流畅,在练习时,首先要让每个手指都站稳,并把难点抽出来单独练习。在弹奏方法松弛、手指清晰、乐句完整的情况下,再加快一些速度练习。复调性质的乐曲主要要注意线条要清晰。首先应分手练习,让两手独立并让头脑十分清楚地明白旋律线条的走向。两手合奏时,分清主次主题总是最重要的。乐曲和奏鸣曲因为乐曲篇幅较长、难度较大,所以建议先从技术难点入手。这样,每天练琴都有明确的目标,练习的效果会更明显。

　　总之,考级只是检验我们学习的一种手段而已。我们的学习目的是掌握更多的音乐知识,了解更多的音乐作品。让音乐使我们的生活更加美妙。



（摘自音乐周报）



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魔笛音乐

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魔笛音乐

音乐的想象力与理解力


从总体上来说，音乐可分为标题音乐和非标题音乐两大类。标题音乐的特征是有明确具体的曲名，说明该曲所体现和表达的主要内容、情绪或意境。非标题音乐的特征是曲名只说明了乐曲的形式、类别，而没有说明乐曲表达何种情绪、意境和内容，像《奏鸣曲》、《创意曲》、《回旋曲》等等。

标题音乐由于有具体、明确的曲名，更容易理解一些。因此，我们先来谈谈标题音乐，然后再说非标题音乐。

1、标题音乐

有明确标题的音乐，给我们提供了去想像和理解音乐的具体范围。象《汤普森现代钢琴教程》、《布格缪勒钢琴进阶二十五曲》，以及中央音乐学院和上海音乐学院编的钢琴初级教材中，很多采用了具体的标题，使得学生在一开始学习阶段就能有明确、生动的音乐联想。

布格缪勒的作品一百号《钢琴进阶二十五曲》，有很多有趣的例子，如第三首《牧歌》，右手平稳优美又连绵起伏的旋律，像是柔和的牧笛在吹奏，配上左手轻轻的和弦伴奏，一幅美丽的田园景色展现在我们眼前……

第四首《儿童联欢会》则是一次欢快的儿童聚会，左手如大提琴拉出愉快的曲调，右手的双三度，欢快、跳跃，好像儿童三三两两地进行游戏和交游。在这首乐曲中，双三度的技术课题完全结合到表现快乐、天真、兴奋的音乐情绪中去了。

第九首《行猎》，则是一幅乡村庄园的狩猎图。左手和弦的推行，好似几支号角同时吹响，宣布打猎的开始。右手跳进的重复音，使人如闻马蹄声声，表现了猎手们奔驰追逐的情景。中段小调上有一些优美动听的旋律，描绘了森林、田野令人心旷神饴的自然景色。在这首曲子中，右手的跳进与重复音、左手的和弦与双音，本来都有很强的技术性，但都与音乐表现内容有机地融合在一起了。

第十二首《再会》则是一幅充满了离别深情的场景。第一行中的几个乐句，如泣如诉，好似依依不舍，内心非常悲戚。第二行开始，好像马车载着游子驰往他乡异地。马车从启动，行驶在旅途，直到远去不见踪影，是很好的一幕戏。这是一首很好的训练手指跑动的乐曲，三连音要圆滑、均匀如车轮滚动。

根据音乐的标题去想象和理解，并表现音乐，一方面要依据学生自己对生活，对音乐的体验，如前所说，通过多听、多熏陶，像日常的看电影、看电视、看画展、旅游、郊游等等，都是学生，尤其是年幼的儿童扩大视野、开阔经历的好机会，这些都有助于学生对乐曲的联想和理解。

另一方面，要根据标题指定的范围去理解和想象。由于每个人的经历、感受不同，而对同一首乐曲所想象的画面也不会相同，但不能超出标题的范围。从情绪来讲，也许同是欢快，会有程度的不同，但不能把欢快、生动表现为别的什么情绪。这就是说既有其一定的内容范围，又有其理解、表现上的发挥余地。

标题音乐由于其明确的内容、情绪和意境，对于培养学生的音乐理解和感受能力是非常有利的。在教学上只要引导得法，会收到培养音乐感和表现能力的良好效果。

2、非标题音乐

非标题音乐理解起来困难要大一些，因为这是纯音乐，纯粹是对音乐语言的感受、理解与表达。

理解非标题音乐，首先多依赖于学生自己对音乐语言已有一定的感受和反应同时，也要从乐曲本身所标明的音乐表情记号、速度力度标记，以及乐曲采用的织体、和声、手法等方面去理解。

好在基础钢琴教材中一些初级的《小奏鸣曲》、《回旋曲》、《变奏曲》等，音乐的情绪并不复杂，一般都比较易于理解，只要我们掌握一般的规律，并能仔细注意查明各种表情、力度、速度记号，并把它们都做出来，就可以传达出乐曲的意境了。

拿《小奏鸣曲》来说，规律是这样，一般是三个乐章，程式是“快一慢一快”。就是说第一乐章一般是快板或小快板，主题往往比较欢快，比较有精神；也可能是优美，流畅而明快的。如有副题的话，应和主题有一些不同和变化，主题要是有精神地，副题就会是柔和优美地。第二乐章一般是慢板或行板，旋律优美歌唱地，或宁静沉思带叙述性的，第三乐章则是生动活泼的小快板或快板，具有舞蹈性的特点。

也有不少两个乐章的小奏鸣曲，往往是去掉中间的慢乐章，那么第一乐章也许更精力充沛，富于动力，第二乐章也许偏重于轻快活泼生动诙谐，当然，每首曲子都有自己的特点，以上只是较为多见的情况，而不是一成不变的模式。



作者：周铭孙




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魔笛音乐

目前，儿童学琴中的兴趣障碍现象占有相当大的比例。在这方面不恰当的引导与教育往往给儿童造成心理伤害，与我们启迪智力、陶冶情操、培养人才的教育原则相违背。我们要求儿童在美育的环境中健康成长，而不能不顾儿童的心理特征，扼杀儿童的天性。本文就儿童学琴中产生兴趣障碍的各个方面进行浅要阐述，供各位家长和老师参考。

一、启蒙的重要性

　　“良好的开端等于成功的一半”，在儿童学琴的问题上，这句话更能体现出它的价值。儿童在3-7岁正是智力发育的黄金时期。表现出好奇心强、接受新事物快等特点。这时期在大脑中形成的印象往往终生不忘。当孩子缠着父母要这要那、问这问那的时候，让他观看别的孩子弹琴，孩子就会要求弹琴，进而要求家长买琴。此时家长不要急于答应，让这样的过程重复几次，直到孩子哭闹着要买琴，并自发地做出每天练琴的承诺；同时可让老师检查孩子的素质。如此，完成了孩子在身心及精神上的准备，再带孩子一起上琴行，让孩子亲身体会实现要求的满足感，这便是一个良好的开端。
　　启蒙时期如果不能正确引导，甚至不经孩子同意就买来钢琴，孩子首先会因对这个“大玩具”感到好奇而主动接触，但玩两天就失去了新鲜感。进入正规学习后，积极性往往很难调动起来，厌烦情绪一旦产生，将对以后的学习造成不良的、深远的影响。

二、家长在儿童学琴中的辅导作用

　　在儿童学琴过程中，家长的辅导起着重要的作用。从事各行各业的家长，文化水平层次不同、性格各异，儿童学琴兴趣障碍的原因大多在于此。过于溺爱、过于严厉、或由于工作繁忙对孩子练琴不闻不问，都不可能收到好的效果。为此，向家长提出3个任务：

　　1．创造一个良好的、积极向上的学习气氛。日本音乐教育家铃木主张父母先学琴，在家庭营造一个学习音乐的气氛，能做到这一点是很好的。如果家长过于忙碌，至少也要拿出一部分时间和精力随同上课、领会要领并进行家庭辅导。家长要注意收集有关信息、资料，及时与孩子进行交流；对孩子取得的进步给予鼓励、肯定；鼓励孩子踊跃参加与自己水平相当的比赛、演出等活动，促进良好的学习气氛的形成。

　　2．制订周密、切实可行的练琴计划。儿童在学校的学习有着很强的计划性，在家也应该有一个周密的、定时练琴的计划。这个计划的制定应根据自己孩子的特点并随着年龄增长有所变化。如3、4岁的孩子每次注意力集中时间约在5分钟左右，每天的每一次练琴不要超过这个时间。年龄大的孩子可适当增加，一般每次在一个小时以内为宜。可把孩子的其他爱好与练琴有机地穿插起来，如唱歌、跳舞、绘画等。每天要有计划，每周、每月也要有计划。总之，计划的制订应本着全面发展、提高效率的原则精心设计。

　　3．创造一个安静，整洁美观的学习环境。孩子练琴应有专门房间，为的是与其他嘈杂环境隔开。琴房要保持整齐、干净、光线充足，这样，孩子容易静下心来投入到练琴中去。窗台上可摆放鲜花经，墙壁上可挂贴音乐家肖像，钢琴上摆放镶有孩子照片的镜框，还可参考孩子的想法进行房间布置、设计。

三、教师的主导作用

　　除一般教学常规外，教师还要了解儿童心理学，善于用儿童语言与儿童交流。在知识、技能的学习中，要随时留意学生的反应。一旦发现有厌烦情绪要及时查找原因，采取措施进行调整。对不同的学生要有针对性的教学方法。作业量不要太大，难度要适中。教师不仅对学生上课，还要与家长就学生练琴情况交换意见，随时了解有关情况，指导家庭辅导，真正起到教学中的主导作用。

　　老师与学生也有一个“对路”问题。如比较严厉的教师不宜教性格脆弱、内向的学生，有的教师不善于教年龄太小的学生，有的教师善于教差生等等。老师之间针对学生进行一些调整也很有必要。

四、学生自身的因素

　　学生是教育的最终受体，是教育成功与否的内因。但我们要明白，学生练琴兴趣障碍的原因多半不在学生主观本身，换句话说，学生在接受知识的同时也接受了对知识的情感体验。另一方面，如果孩子有生理缺陷，如手指过于短小、畸形等，也就不宜学钢琴。有的孩子擅长的不是音乐，就要善于培养其他方面的素质。

五、钢琴本身的因素

　　钢琴是儿童学琴最重要的物质基础。如果钢琴长时间不调律，音准相差过大，不仅会影响孩子练琴的兴趣，时间久了还会对听力造成损害。钢琴年久失修、破损严重，也会直接对练琴造成影响。一般每年调律1-2次为宜，对破损的琴应及时维修或淘汰更新。

六、最后的措施

　　如果以上方面都实施得当，还是达不到应有的效果，原因很可能是孩子具有调皮、学琴年龄稍大、逆反心理强等特点。对这些孩子可采取一些有效的、严厉的措施。但要注意：

　　首先调查、弄清孩子不练琴的根本原因。要警惕某些社会因素的不良影响。

　　其次，家长与老师保持协调一致并与学生随时沟通。家长可在老师的指导和配合下，采取一些措施督促孩子练琴。措施的实行要事先告知学生。时间最好放在寒暑假，避开学校紧张的学习时间。

　　最后，不主张体罚。

　　注意了以上几点，往往在短时期内就能取得良好的效果，教师和家长对学生的进步要及时给予肯定，赞扬。当孩子为自己的进步感到高兴时，另一个良好的开端就形成了。


　作者简介：王喜亮，河南大学音乐系毕业，副教授，河南省文化厅青少年文化艺术发展协会副秘书长，多次在《钢琴艺术》上发表文章，在钢琴教育界有较大影响。

喜欢骏景论坛

古老师教得很好，我进步好快 [M01]

魔笛音乐

引用作者 喜欢骏景论坛 于 2007-8-10发表的原文
古老师教得很好，我进步好快 [M01]

聪明又好学，进步不快才怪呢 [M01]

魔笛音乐

从普及音乐教育的角度看，除先天听觉有缺陷者外，人人都可以、也应当接受音乐教育，并不需要对音乐才能加以判断。提出“判断“的问题，无非是想知道孩子是否具有特殊的音乐才能，或者说是否是音乐”天才“。我们大致可以从以下几方面观察：
（１） 孩子是否自幼喜欢唱歌。不仅会唱教给的歌，而且还会唱没人教唱的歌。
（２） 孩子唱歌是，是否音高准确、节奏准确。而且，能用符合歌曲内容的表情唱歌。
（３） 如果家里有乐器（无论什么乐器），孩子是否自发地亲近这件乐器，喜欢摆弄乐器，甚至能够自己弄出准确的曲调来。
（４） 听（任何场合、任何种类的）音乐是，是否全神贯注、专心致志。
（５） 是否对各种声音有特殊的兴趣和敏感。例如，对风声、水流声、波浪声、树叶声、雨滴声、虫鸣鸟叫声等等都有专注倾听的兴趣。也能从几声脚步、一声敲门、电话中的一声招呼就听出是什么人来了。
以上主要是指观察。也还可以进一步考察：
（６） 在钢琴上弹出一个乐句或一个小乐段，看孩子是否能听过一两遍就可以准确模唱（奏）。
（７） 是否准确辨认、模唱老师在钢琴上弹出的单音、双音、和弦。模唱双音、和弦时，可从低到高，依次唱出同时发出的各个音。也可以试验孩子能否直接在琴上弹出。
（８） 由老师拍手，打出从简单到复杂的节奏点子，看孩子能否准确重复、模仿。
需要说明，如果初次考察成绩不理想并不一定意味着孩子音乐才能不高。因为这很可能是由于孩子对考察的方式、内容全然陌生所致。应当给孩子一个熟悉“程序“的过程，再行考察，再做判断。这种考察和判断，无非是为了某种意义上的“心中有数”，既不是学钢琴的先决条件，也不是考察结果不理想的就不一定学不好钢琴。因为孩子的内在潜力，一旦开发了之后，他的前景是事先无法预料的。



出处：《钢琴学习388问》 作者：魏廷格

魔笛音乐

从普遍提高人的素质的角度着眼，我们说人人都可以学习弹钢琴。但人和人之间，毕竟有千差万别的不同情况，那么，学钢琴的理想条件是那些呢？

（１） 酷爱音乐。对音乐的美特别敏感。音乐对他总是有强大的吸引力，仿佛视音乐为生命一般。浓厚的兴趣可以产生异乎寻常的学习动力，去克服学习道路上的一切困难，永不停步地奔向新高度。
（２） 敏锐的听觉。对声音的高低、长短、强弱的微小差异，都有精细的辨别能力。对声音的性质，比如“明暗”、“软硬”以及微妙的感情色彩等等，也能察觉出来。一双这么好的耳朵，有如一盏明灯，照亮了通向正确目标的道路。
（３） 良好的节奏感。善于领会不同节奏的不同趣味。仿佛本能般地受到节奏的感染。
（４） 出色的音乐记忆力。对于只听过一次或几次的音乐，能够清楚、准确地记住不忘。
这几条是最重要的。下面两条虽然不如上几条那么重要，但也是学钢琴的有利条件。
（５） 较宽厚的手掌和较长的手指，并且，仿佛是天生似地具有敏捷的动作能力和反应能力。这样的手在驾驭钢琴时，会有自然的轻松感。
（６） 较小的年龄。因为弹奏钢琴带有很强的技术性，及早训练，有利于及早掌握技术。
一个学习者假如具备了前四个条件，则可以弥补后两个条件的不足。反过来，如果仅具备后两条而不具备前四条，那不不能说具备了理想条件。当然，如果六条都具备，那就“如虎添翼”了。
这里讲的“理想条件”是相对的。尤其对于正在成长的、可塑性极大的孩子，绝对不能孤立、静止的看待种种“条件”。表面看来不够理想的条件，经过科学的训练、培养和刻苦努力学习是可以转变的，反之，即使条件理想，不正确的训练，不经刻苦用功，这些好的条件也会渐渐失去。




出处：《钢琴学习388问》 作者：魏廷格